Curador: Tadeo Muleiro
viernes, 22 de junio de 2018
"Camalotes" - Ana Rita Gendrot
Mayo 2018
“Camalotes” (Cerámica feminista).
Lo inevitable acontece más allá de lo que podemos controlar.
Así llegaron los camalotes a las orillas de la ciudad, a pesar del otoño, a pesar de los edificios, a pesar de todo. Trajeron en su viaje criaturas peligrosas, coloridas, enojadas, venenosas e invadieron una oficina del centro porteño.
Verdes camalotes, verdes como la lucha del pañuelo verde. Mujeres con los puños en alto, mujeres felices que sostienen serpientes que les pertenecen, que habían perdido, que les habían robado, extirpado. Las mujeres fueron separadas de la serpiente y de su deseo dejándolas atrapadas en cuerpos rígidos, en cuerpos máquinas, cuerpos al servicio del patriarcado, como explica Casilda Rodrigañez Bustos en su libro "Recuperando a la mujer prohibida".
Ahora serpentean en las paredes y se multiplican porque llegan de todas partes. Mujeres pez que nadan voluptuosamente como delfines y bailan la danza del vientre, del útero, en el agua. Empiezan a latir propulsando olas de placer, cada vez que una mujer se excita sexualmente. Quizás por esoa las sirenas se las asoció con el pecado y la muerte, para hacernos olvidar de este baile ondulante lleno de éxtasis en la que el falo no tiene lugar.
Lo irrefrenable se hace evidente, es una fiesta de la resistencia, se cuelan por las ranuras, entran por las ventanas aunque estén cerradas, y cada vez serán más y más.
x Ana Rita Gendrot
"Aurum - Au79" - Susana Schnell
Marzo 2018
Au79
(Fórmula del oro) aborda la presencia simbólica del oro en las prácticas
rituales orientales. Rituales donde el oro cobra un papel central como pago
anticipado para que el alma sea bien recibida después de la muerte.
En el Oriente
lejano cuando una persona muere los ritos comienzan. El viaje al otro mundo
requiere de ropa liviana, un farol, una silla de papel, una caja de lingotes de
oro, una cesta de manjares, un cuenco con agua y varillas de incienso. Todos
materiales que conducen el alma al templo donde habitan las deidades. Como
parte significativa del ritual se colocan y queman en un recipiente papeles
dorados que representan lingotes de oro. Así, mediante la combustión generada
les llega a los dioses el pedido de que el alma sea bien recibida.
Au79
es un elemento químico no fabricado por el hombre, sólo puede ser encontrado. Es un metal precioso inerte, es decir prácticamente
inmune al deterioro -contrariamente a los papeles funerarios- y muy barato de almacenar durante largos
períodos de tiempo.
Este proyecto
consiste en restituir a la materia (oro) su peso simbólico y litúrgico, así
como también resaltar o revalorar el lugar de la pintura como un hacer ritual,
contra-productivo y espiritual. Entre las pinturas enmarcadas y la pintura
realizada directamente sobre la pared hay un espacio vacío, es en este espacio
donde se produce la expectación, y donde ocurre la transición –imaginaria- de
la existencia entre un mundo material y terrenal (representado por los símbolos
de los papeles) y un universo post-terrenal. En este estadio los personajes y
símbolos de los papeles ya no están aislados sino que pasan a convivir entre
estos dos tiempos.
Susana Schnell realiza la carrera de Matemáticas en la
Universidad de Buenos Aires, a la cual deja para dedicarse a la pintura.
Comienza su formación con Ahuva Slimowicz y la complementa con otros artistas y
pensadores.
Realizo
múltiples exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Francia e
Italia. Durante los años 90´ interviene espacios no ligados a la manifiesta
escena de las artes visuales: Cemento, El Parakultural, Casal de Catalunya, la
Biblioteca Anarquista y La Nave de los Sueños.
Desde 1969
ejerce la docencia acompañando a artistas que forman parte del contexto local e
internacional del arte. También practica de forma independiente la actividad
curatorial. Conforma el colectivo La
línea que camina.
Muestra Imaginaria
Diciembre 2017
El Hombre Imaginario
El hombre imaginario
vive en una mansión imaginaria
rodeada de árboles imaginarios
a la orilla de un río imaginario
De los muros que son imaginarios
penden antiguos cuadros imaginarios
irreparables grietas imaginarias
que representan hechos imaginarios
ocurridos en mundos imaginarios
en lugares y tiempos imaginarios
Todas las tardes tardes imaginarias
sube las escaleras imaginarias
y se asoma al balcón imaginario
a mirar el paisaje imaginario
que consiste en un valle imaginario
circundado de cerros imaginarios
Sombras imaginarias
vienen por el camino imaginario
entonando canciones imaginarias
a la muerte del sol imaginario
Y en las noches de luna imaginaria
sueña con la mujer imaginaria
que le brindó su amor imaginario
vuelve a sentir ese mismo dolor
ese mismo placer imaginario
y vuelve a palpitar
el corazón del hombre imaginario
Nicanor Parra
jueves, 16 de noviembre de 2017
: "El Limite" - Santiago Iturralde
Noviembre 2017
EL LIMITE // de SANTIAGO ITURRALDE
"Un cuadro no representa nada, no debe ante todo representar otra cosa que colores" (…) "el pintor no ha querido otra cosa. Su psicología es el encuentro de sus dos tonos. Su emoción está ahí. Es esa su historia, su verdad, su profundidad propia."
EL LIMITE // de SANTIAGO ITURRALDE
"Un cuadro no representa nada, no debe ante todo representar otra cosa que colores" (…) "el pintor no ha querido otra cosa. Su psicología es el encuentro de sus dos tonos. Su emoción está ahí. Es esa su historia, su verdad, su profundidad propia."
Paul Cézanne.
Como pintor me interesa trabajar problemáticas específicas del lenguaje de la Pintura más allá de las temáticas o imágenes que se relatan en la superficie. En este sentido la idea de límite subyace en mis obras desde hace tiempo y se hace presente en las siguientes preguntas: ¿Cómo representar el límite entre las formas? ¿Es una línea? ¿Es aire? ¿Es luz que se colorea? ¿Es información digital? / ¿Cuál es el límite hoy entre la Fotografía y la Pintura? ¿Cuál representa la experiencia de lo real de un modo más sincero? / ¿Cuál es el límite entre la figuración y el cuadro abstracto? / ¿Dónde está el límite entre el boceto y el cuadro terminado?
Mi obra se inscribe dentro de los límites tradicionales de la Pintura. Trabajo con óleo
sobre soportes rectangulares y generalmente de tamaño intermedio. Pinto retratos,
paisajes, objetos y escenas de interiores. Soy un pintor de caballete, intimista, y soy
figurativo. Asimismo entiendo que la Pintura es mucho más que eso y que, incluso dentro de esos cánones, sigue teniendo la capacidad de dialogar y problematizar el mundo contemporáneo.
Me interesa entonces investigar los límites más tímidos de la pintura, las bases geológicas de ese proceso misterioso que nos encandila cuando contemplamos algo tan simple como un rectángulo sobre una pared.
En principio encuentro el problema del límite en la definición de la forma. Es decir la
situación particular que ocurre en el contorno entre una forma y otra. Su linealidad, su dispersión, la distorsión del color, la luminiscencia. Ese límite, aparentemente superficial, que sin dudas es una de las principales metáforas de la Pintura. Es el límite que cuestionó Leonardo al inventar el sfumato y transformar un mundo de sonrisas certeras en otro ambiguo, misterioso y humano. Es el mismo que más adelante el Impresionismo desintegró en átomos de color dando forma pictórica a las teorías de Newton sobre el mundo físico. En cierto modo, las formas del límite son las formas en que el mundo es pensado a lo largo de la historia.
Luego, en relación a la representación, pienso en los límites entre la Pintura y la Fotografía en la actualidad ¿Cuál sigue siendo el sentido de la pintura figurativa en el mundo de la imagen digital? ¿Cómo debe ser la materia pictórica en una realidad de luz reflejada en pantallas? ¿La Pintura depende de esa imagen o es algo más intenso que subyace? ¿Es la Pintura una imagen en sí misma o es un plan abstracto disfrazado con distintas pieles? Por último un abordaje procedimental-técnico me hace pensar en el límite que existe entre el cuadro final y su proceso de desarrollo ¿Cuántos cuadros existen dentro de un cuadro? ¿Qué ocurre con todas las formas intermedias que devienen al pintar?: Bocetos, fotobocetos, paletas descartadas, anotaciones, imágenes erradas o descartadas ¿Cuántas de estas formas son parte necesaria del cuadro final? ¿Deben ser exhibidas o desestimadas? ¿Poseen valor artístico?
La muestra que presento en la Oficina Proyectista intenta plantear todos estos
interrogantes de un modo poco solemne. Es una muestra para observar, para olvidarse, para imaginar situaciones y elaborar teorías o simplemente divertirse con las conversaciones entre un color y otro.
Santiago Iturralde
"Los Espacios Cálidos" - Sara Valero Zelwer
OCTUBRE 2017
SARA
VALERO ZELWER
Un collage hereditario
Un collage hereditario
Retratos fantasmas de
la memoria reconstruida como un rompecabezas generacional. Palimpsestos con los
que se busca el camino de vuelta a la paternidad y a la patria, aunque ese
camino se haya derruido hace años y queden pequeñas piezas descolocadas que solo
la imaginación puede restablecer. La mirada del fotógrafo y la mirada sobre la
mirada del fotógrafo. Una imagen que abraza a otra imagen en un sucedáneo de
intervenciones. La remasterización de un legado para interpelarlo y también
canibalizarlo.
La técnica escogida
para esta operación es parecida a la del montaje: enhebrar las fotos del padre,
el fotógrafo Armando Valero, para encontrar en ellas una nueva morfología visual y un nuevo sentido. Sara no
se apropia de las fotos, las recupera y las reabsorbe. Despoja a las imágenes
de su sentido originario y las recoloca en diálogo con sus semejantes. Son las
mismas de siempre y al mismo tiempo otras. Y el faro que ilumina estos
procedimientos no es más que el vínculo filial y afectivo, y la frágil materia
de la memoria. Al igual que esta última, Sara mezcla los eventos, los lugares,
los tiempos; los confunde y re articula para hacerlos suyos y vivificarlos. Es
decir, los convierte en ficción.
El padre y la patria. Dos caras de una misma zozobra. Como un díptico latente,
estas imágenes despliegan esa doble cara. El padre: fantasma protector, ángel
de la guarda o amorosa reminiscencia a la que se vuelve una y otra vez. Y la
patria, o más bien, el territorio de la identidad, que tiene en Sara un
domicilio concreto: Caracas. Y para ser más específicos, La Candelaria, Parque
Central y los alrededores de la plaza Morelos, epicentro de la Caracas cultural
al que podemos volver como en sueños si descorremos el velo que envuelve estas
imágenes.
Los Espacios Cálidos, una de las salas de arte más emblemáticas de la ciudad y
debe su nombre al gran poema de Vicente Gerbasi. La niña rubia que deambulaba por esos lugares y que
hoy nos regala estos cálidos fotogramas parece decirnos como Gerbasi:
…Veo mi infancia avanzar
hacia una distancia malva donde vuelan los cuervos.
“FISHIOLOGY -El pez emerge-” - Angel Popolizio
Septiembre 2017
FISHIOLOGY
-El pez emerge-
Durante mi último viaje a China quedé hipnotizado por el cromatismo experimental de los vidriados cerámicos. En piezas de uso cotidiano, tejas o azulejos, espesos goteos de color brillante crean tramas indescifrables que evocan las capas de creencias que acumulamos una sobre otra desde la infancia. Los colores, esparciéndose o acumulándose con fuerza de naturaleza, eluden la lógica humana.
Una vez más, la creación artística es demasiado extensa para ella. Y pese a todo el pez emerge entre esos líquidos petrificados. Y pese a todo, el ser humano emerge también de asfixiantes capas de creencias, relatos y mandatos.
El pez, y la mente, nadan en vidrio fundido. Pero al fin de cuentas emergen
Angel Popolizio 2017
FISHIOLOGY
-El pez emerge-
Durante mi último viaje a China quedé hipnotizado por el cromatismo experimental de los vidriados cerámicos. En piezas de uso cotidiano, tejas o azulejos, espesos goteos de color brillante crean tramas indescifrables que evocan las capas de creencias que acumulamos una sobre otra desde la infancia. Los colores, esparciéndose o acumulándose con fuerza de naturaleza, eluden la lógica humana.
Una vez más, la creación artística es demasiado extensa para ella. Y pese a todo el pez emerge entre esos líquidos petrificados. Y pese a todo, el ser humano emerge también de asfixiantes capas de creencias, relatos y mandatos.
El pez, y la mente, nadan en vidrio fundido. Pero al fin de cuentas emergen
Angel Popolizio 2017
"NANA DE NOVIA" - NORA LESTON
Agosto 2017
Antes de morir mi padre me pidió que me casara, aunque no me había criado para eso. Ante este nuevo e inesperado mandato recordé la estrofa de la antigua cantiga gallega que dice:
Todos me din que me case, todos me din que vou ben
todos me din que me case, pero non me din con quen
pero non me din con quen, Ailalalala…
Y pensé como una nana podía significar tanto un arrullo, una canción para de cuna, como así también un daño, una pequeña lastimadura.
Nora Leston
Antes de morir mi padre me pidió que me casara, aunque no me había criado para eso. Ante este nuevo e inesperado mandato recordé la estrofa de la antigua cantiga gallega que dice:
Todos me din que me case, todos me din que vou ben
todos me din que me case, pero non me din con quen
pero non me din con quen, Ailalalala…
Y pensé como una nana podía significar tanto un arrullo, una canción para de cuna, como así también un daño, una pequeña lastimadura.
Nora Leston
“Inauguración de la Nueva oficina Proyectista” - Ignacio Unrein & Loli Mallea
AGOSTO 2017
La Oficina Proyectista cierra por obras de desampliación. Unos días después abre la
Nueva Oficina Proyectista, ya desampliada. Tiene en su interior, a
modo de homenaje, un gabinete de curiosidades con todos los elementos, obras,
libros que pertenecen a la ya antigua Oficina. Una semana más tarde vuelve a
cerrar para acometer la demolición de la desampliación. Tras lo cual vuelve a abrir
para mostrar lo que fue el proyecto de desampliación, en detalle.
Podríamos decir que son movimientos arquitectónicos absurdos,
exacerbados, acelerados.
Tal vez Ignacio Unrrein, artista, arquitecto, ejecuta
impecable e implacablemente todos estos movimientos, y a esta velocidad, como
un acto de desafío.
Pero también, con este torbellino de actividad logra ponernos delante un
espejo para que hagamos justo lo contrario: detenernos y reflexionar.
Reflexionar sobre qué cosas se está llevando por delante la propia
velocidad de las cosas.
Reflexionar sobre dónde estamos poniendo nuestra energía y nuestro impulso.
Reflexionar sobre si lo que existe desde hace algún tiempo debe ser
descartado por esa idea que empieza a tomar la forma de un dogma de que todo
tiene que renovarse.
Reflexionar sobre cómo vivimos en un sistema que solo funciona desde el
movimiento, alimentándose de planificaciones y ejecuciones, pero no de
sentidos.
La propuesta de IU para la OP es una invitación a pensar y pensarse.
Nos presenta un proyecto de una realización exquisita al que apenas nos
deja acercarnos antes de destruirlo y devolvernos lo que ya teníamos. ¿Volverá
la OP a ser la misma después de este gesto?
Fernanda Rodrigo
POLIMORFA - Tamara Domenech y Florencia Cabeza
JUNIO 2017
Polimorfo es la capacidad de un material sólido de existir en más de una forma o estructura.
Mejor con A. Polimorfa.
Así lo pensamos con Tamy.
Así la llamo yo.
La del “don” de la palabra, como a veces le digo...
La del proyecto “Baldío”.
Ahora juntas proyectamos una muestra donde los elementos dialogan, se acercan, ponen en tensión tiempos y espacios dando proximidad a las obras, para que algo suceda.
Las partes expresan la falta. En un mismo tiempo son el todo.
Todos los discursos aquí reunidos nos impulsan a la acción, al movimiento. Buscamos en la vieja figuración un nuevo significado para poder asignar nuevas funciones en el presente.
Tamara Domenech y Florencia Cabeza
Polimorfo es la capacidad de un material sólido de existir en más de una forma o estructura.
Mejor con A. Polimorfa.
Así lo pensamos con Tamy.
Así la llamo yo.
La del “don” de la palabra, como a veces le digo...
La del proyecto “Baldío”.
Ahora juntas proyectamos una muestra donde los elementos dialogan, se acercan, ponen en tensión tiempos y espacios dando proximidad a las obras, para que algo suceda.
Las partes expresan la falta. En un mismo tiempo son el todo.
Todos los discursos aquí reunidos nos impulsan a la acción, al movimiento. Buscamos en la vieja figuración un nuevo significado para poder asignar nuevas funciones en el presente.
Tamara Domenech y Florencia Cabeza
“Quedan 4800 Pixeles” - Kim Annika Welling
Mayo 2017
Kim sacó 2057 fotos en diez meses. Todas con su celular. 1786 fotos en Buenos Aires. 246 en Hamburgo y 25 en aviones, en el aire, en puntos específicos que no fueron registrados porque tenía el celular en Modo Avión. Ella eligió una foto por cada día. Espontáneamente. Instintivamente . Algo le atrajo de esa foto mas que de las otras que sacó en esas 24 horas. Como el punctum de Roland Barthes. Hizo un zoom en el punctum de su foto y recortó a mano esos píxeles de la foto impresa. El recorte se transformó en una nueva imagen a la cual tituló con el nombre del archivo. Estos títulos que antes servían como orientación en sus propias imágenes digitales, ahora se convierten en recuerdos que potencialmente podrían ser de cualquiera. Algunos títulos como IMG_MuffinFace.JPG o IMG_UnPerroEnDosPartes.JPG son tan íntimos que a veces no se entiende, otros como IMG_EsperandoLaPizza.JPG o IMG_MiDedoReCerca.JPG son tan universales que todos nos podemos sentir identificados.
16 artistas de Buenos Aires fueron invitados por Kim Welling a escribir sobre un recuerdo personal inspirado en un título de los collages con que ellos se identificaron. Aquellos textos formarán parte de la muestra. Cada texto se podrá escuchar y ver, recitado por su propio autor.
Artistas participantes: Virginia Buitrón, Alejandro Campot, Pablo Cornejo, Bárbara de Lellis, Gustavo De Leonardis, Dante Litvak, María Elisa Luna, Carolina Magnin, Milagros Majó, Eric Markowski, Natalia Mejía, Agustín Rincón Méndez, Mana Pena, Florencia Alba Resguardo, Martín Salinas, Gib Sánchez
Texto: Mana Pena
Kim Annika Welling estudió diseño en la universidad de Bellas Artes de Maastircht /Holanda y Artes Visuales en Kassel/ Alemania. Terminó su carrera en la Universidad de Kassel con un diploma de honor. Antes de venir a Buenos Aires vivió en Hamburgo, donde organizó y curó muestras para la galería nachtspeicher23 y tuvo su estudio de arte en un antiguo colegio de policía. Participó en varias residencias de arte en España y Argentina. Kim Annika Welling ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Alemania y Argentina. Aparte de desarrollar su cuerpo de obras, di workshops de arte orientados a estudiantes en Alemania y Argentina.
Los del Fuego - Juan Barabani y Paulo Pécora.
Abril 2017
Curadora: Azucena Losana
LOS DEL FUEGO- Dibujos, animaciones y films de JUAN BARABANI Y PAULO PÉCORA
-Todo aquel que se haya dejado seducir, aunque sea una vez en su vida, por el hipnotizante resplandor de una hoguera, y que haya visto salir de las llamas algo más que brujas, diablos y polillas chamuscadas, será capaz de apreciar los imaginarios de LOS DEL FUEGO. Con mucha soltura es posible ver entre las brasas algunos planetas volcánicos en erupción y oficinas del microcentro cuyas ventanas se hacen cada vez más pequeñas. Se llena todo de un humo espeso que no se sabe si viene del pucho del burócrata que se derrite en su escritorio o del personaje que escupe fuego en una selva tropical. También ahí habita un ser lanudo que está a salvo entre la maleza, pero que no puede evitar la fascinación de mirar fijamente a la pequeña casita que se incendia en la cabeza del empleado del mes. Sí, ese que se parece al General. Y con un poquito más de atención, se puede observar en lo más azul de la llama, una charla muy civilizada entre felinos sicodélicos y conejos gremialistas.
pd. No le digan a nadie pero quizás venga Sandro.
Azucena Losana
Curadora: Azucena Losana
LOS DEL FUEGO- Dibujos, animaciones y films de JUAN BARABANI Y PAULO PÉCORA
-Todo aquel que se haya dejado seducir, aunque sea una vez en su vida, por el hipnotizante resplandor de una hoguera, y que haya visto salir de las llamas algo más que brujas, diablos y polillas chamuscadas, será capaz de apreciar los imaginarios de LOS DEL FUEGO. Con mucha soltura es posible ver entre las brasas algunos planetas volcánicos en erupción y oficinas del microcentro cuyas ventanas se hacen cada vez más pequeñas. Se llena todo de un humo espeso que no se sabe si viene del pucho del burócrata que se derrite en su escritorio o del personaje que escupe fuego en una selva tropical. También ahí habita un ser lanudo que está a salvo entre la maleza, pero que no puede evitar la fascinación de mirar fijamente a la pequeña casita que se incendia en la cabeza del empleado del mes. Sí, ese que se parece al General. Y con un poquito más de atención, se puede observar en lo más azul de la llama, una charla muy civilizada entre felinos sicodélicos y conejos gremialistas.
pd. No le digan a nadie pero quizás venga Sandro.
Azucena Losana
Rítmica del Caos - Juan Lorenzo
Marzo 2017
Seguir una línea hasta escucharla ¿Cuando el sonido se hace ruido y la música se vuelve imagen? Sonidos humanos. Rítmica asimétrica del caos. La poesía se dibuja en músicas yuxtapuestas.
Si existen las matemáticas no existe el caos. Un dibujo se hace cuando se rompe un cristal.
Seguir una línea hasta el final y encontrarse con una grafía irreverente que lleva al comienzo de otra que a su vez es el fin de aquella. El fin, el principio.
Tomar la Palabra - Diciembre 2016
Lxs invitamos a festejar la muestra número 110, un nuevo proyecto de muestra colectiva colaborativa. Este año la propuesta es Tomar la palabra.
Tomar la palabra es una activación de escritura colectiva, de voces, de ideas, de intuiciones y dudas. Es un posible espacio de encuentros, de expresión y proyección.
Lxs invitamos a compartir ideas, preguntas, frases escritas, sonoras, cantadas, videadas, corpóreas, proyectadas, dibujadas, performeadas, bailadas, y también, por qué no, comibles y bebibles.
sábado, 12 de noviembre de 2016
Taller Nocturama
Octubre 2016
Participantes Nocturámicos:
Andrés Gato, Martín Flugelman, Juan Pablo Margenat, Julia Mazvernat, Hugo de la Paz, Alfonso Piantini, Alejo Rotemberg, Florencia Rugiero y Martín Zaitch.
Participantes Nocturámicos:
Andrés Gato, Martín Flugelman, Juan Pablo Margenat, Julia Mazvernat, Hugo de la Paz, Alfonso Piantini, Alejo Rotemberg, Florencia Rugiero y Martín Zaitch.
Nocturama se muda a la Oficina Proyectista. Nocturama instala su taller en el 6º piso oficina 82 de Peru 84 convirtiendo el espacio en un laboratorio, dispositivo, plataforma, artefacto. Todas esas palabras para decir que vamos a montar algunos de nuestros artilugios audiovisuales-lumínicos en la Oficina: la bicicleta-plomería-proyectora, la corona-de-espinas-sonora, la sirena-mecánica-luz-loop, entre otros. Y vamos a ponerlos a disposición tanto del público como de artistas invitados que van a utilizarlos de diversas maneras: ensayo de una obra de teatro, una improvisación sonora, una proyección de diapos, etc. Máquinas, calados, proyecciones, automatizaciones y otros artilugios que operan sobre el sonido, la luz y la sombra se muestran en acción transformándose a lo largo del mes a partir del trabajo de los Nocturama, del público y de artistas invitados.
Nocturama es una plataforma de experimentación con la luz y la sombra que realiza performances en vivo e instalaciones. Trabajamos a partir de la exploración de zonas urbanas y recorridos en la ciudad, creando ficciones nocturnas, situaciones en las que se superponen espacios y tiempos, personajes y objetos. Rendimos homenaje al antiguo teatro de sombras y a los aventureros que realizaron los primeros experimentos con dispositivos audiovisuales, espectáculos populares que ensayaron diferentes técnicas de proyección audiovisual y donde se comenzó a configurar el espacio mismo de la sala de cine. Desarrollamos artilugios mecánicos con técnicas artesanales para integrarlos a la tecnología digital, dispositivos de alta y baja tecnología: linternas, proyectores alterados, máquinas inventadas, velas y juguetes, entre otros artefactos lumínicos que sirven para amplificar tanto actores como miniaturas hechas a mano, calados en papel, objetos cotidianos y muñecos. Mostramos la trastienda, sin ocultar ni disimular las máquinas que generan la fantasmagoría.
Nocturama cuenta con el apoyo de cheLA http://chela.org.ar/
Pintor y oficinista - Mariano Combi
Septiembre 2016
- La administración del tiempo
El pintor es el estereotipo del artista. El oficinista, en cambio, es él mismo un estereotipo. Un ejemplar más de su especie. Entonces, un pintor oficinista es una suma de estereotipos. El estereotipo al cuadrado. Pero su condición es conflictiva: ¿cómo hacer convivir esas dos personas en una? ¿Cómo dividir el tiempo entre esas dos ocupaciones? ¿Se puede combinar las dos tareas? Claro que no, lo sabemos. Pero sí se puede intentar hacerlo. Y ese intento encierra una elección de vida. Mezclar todo, porque en definitiva ya está todo mezclado. Mezclar sin dejar de separar: horarios, relaciones sociales. Mezclar temas, materiales. Usar el dinero obtenido en un trabajo para realizar otro, ese que no termina de ser trabajo.
En su tiempo libre, el pintor oficinista apenas pinta ediciones únicas de libros que no existen –tan únicas y exclusivas que ni siquiera se pueden abrir– porque no se atreve a dejar el trabajo de oficina y dedicarse de lleno a lo que realmente le gusta. Oficinista y cobarde. Se pierde en las biografías de artistas muertos, recopila sus imágenes con el mismo fanatismo y devoción con el que las adolescentes recortan y pegan en una carpeta las fotos de sus ídolos de la TV. Sueña con la idea de convertirse algún día en uno de ellos, esos que son tratados por los libros de Historia del Arte como Genios. Pero al mismo tiempo, sabe que posterga constantemente la realización de su sueño. De ahí la distancia con la que trata dichas figuras: las trata más como figuras que como las personas que alguna vez fueron. Simples figurines que representan su papel en un mundo de miniatura, imaginario, anacrónico y supeditado a un formato administrativo: el bibliorato. Y esto lo devuelve al mundo de oficina. Oscila sin cesar entre esos dos universos, tan distintos y tan unidos por su propia existencia contradictoria. Pero no sólo compila material sobre artistas. Cualquier otra imagen que le parezca digna de atención, la guarda, ordena y clasifica según su criterio. Y tal vez sea eso lo que, paradójicamente, le permite huir de la vida de empleado: utilizar los métodos que pone en práctica en su trabajo diario, para reordenar el mundo con sus propias reglas. Trabajar sin motivo alguno, sin un fin claro. Trabajar sin trabajar.
Pintor y oficinista: no pinta porque no tiene tiempo, no trabaja porque no tiene ganas.-
En su tiempo libre, el pintor oficinista apenas pinta ediciones únicas de libros que no existen –tan únicas y exclusivas que ni siquiera se pueden abrir– porque no se atreve a dejar el trabajo de oficina y dedicarse de lleno a lo que realmente le gusta. Oficinista y cobarde. Se pierde en las biografías de artistas muertos, recopila sus imágenes con el mismo fanatismo y devoción con el que las adolescentes recortan y pegan en una carpeta las fotos de sus ídolos de la TV. Sueña con la idea de convertirse algún día en uno de ellos, esos que son tratados por los libros de Historia del Arte como Genios. Pero al mismo tiempo, sabe que posterga constantemente la realización de su sueño. De ahí la distancia con la que trata dichas figuras: las trata más como figuras que como las personas que alguna vez fueron. Simples figurines que representan su papel en un mundo de miniatura, imaginario, anacrónico y supeditado a un formato administrativo: el bibliorato. Y esto lo devuelve al mundo de oficina. Oscila sin cesar entre esos dos universos, tan distintos y tan unidos por su propia existencia contradictoria. Pero no sólo compila material sobre artistas. Cualquier otra imagen que le parezca digna de atención, la guarda, ordena y clasifica según su criterio. Y tal vez sea eso lo que, paradójicamente, le permite huir de la vida de empleado: utilizar los métodos que pone en práctica en su trabajo diario, para reordenar el mundo con sus propias reglas. Trabajar sin motivo alguno, sin un fin claro. Trabajar sin trabajar.
Pintor y oficinista: no pinta porque no tiene tiempo, no trabaja porque no tiene ganas.-
Mariano Combi
Transmintiendo - Azucena Losana
Agosto 2016
Curaduría Colaborativa: Carolina Andreetti
Curaduría Colaborativa: Carolina Andreetti
Capturas y traducciones Televisivas de Azucena Losana
La muestra está integrada por dibujos, audios y videos de múltiples traducciones del discurso televisivo reciente en la Argentina.
La muestra está integrada por dibujos, audios y videos de múltiples traducciones del discurso televisivo reciente en la Argentina.
Hace varios años que trabajo para la televisión abierta subtitulando en vivo (closed caption) para los espectadores con discapacidad auditiva. Durante varias horas a la semana, en horario central, soy una intermediaria entre miles de hogares y el contenido que la tele emite.
Se puede decir que mi trabajo es una doble traducción en vivo. Repito con mi voz lo que se dice y un software de reconocimiento de voz (mi prótesis) lo pasa a texto, agrego algo al texto si es necesario (nombres propios, modismos, tecnicismos) y se envía en vivo junto con la señal de televisión.
Se puede decir que mi trabajo es una doble traducción en vivo. Repito con mi voz lo que se dice y un software de reconocimiento de voz (mi prótesis) lo pasa a texto, agrego algo al texto si es necesario (nombres propios, modismos, tecnicismos) y se envía en vivo junto con la señal de televisión.
El resultante es una síntesis del discurso televisivo. Otro discurso que en la transmisión se hace “real“. Es un nuevo texto.
Reconozco los artilugios para que la bajada de línea parezca verosímil, veo sus errores, descanso en las pautas publicitarias. Repito.
“El que mata , debe morir”, afirma Susana Giménez.
Repito con voz neutra, marcando las comas para que mi colega y prótesis, el software, acuse recibo de la pausa. A veces se equivoca, no me entiende, me juega bromas. También tengo que incorporar algunas palabras a su vocabulario: narcopalomas, motochorros, pungas, holdouts, Panamá Papers.
“El que mata , debe morir”, afirma Susana Giménez.
Repito con voz neutra, marcando las comas para que mi colega y prótesis, el software, acuse recibo de la pausa. A veces se equivoca, no me entiende, me juega bromas. También tengo que incorporar algunas palabras a su vocabulario: narcopalomas, motochorros, pungas, holdouts, Panamá Papers.
Con el tiempo desarrollé la destreza suficiente para que el texto no necesite corrección. Tanto es así que comencé a hacer capturas de pantalla que dibujo mientras transmito.
“La grasa de la lipo, está en mi cola”, dice Pablo Ruiz. Repito.
“Yo quiero ser el Brancatelli de Macri, dice Matías Alé. Repito.
¿puede un discurso ser repetido como una mera transmisión sin que su contenido se incorpore al discurso propio?
Parafernalia visual, políticos y famosos a la par, sin solución de continuidad. Exhibición sin pudor. Recortes de alguna realidad, que se vuelven a recortar y se transmiten.
¿Cómo hacer para que el gran set de utilería tiemble y se ponga en evidencia?
¿Una traducción es posible?
El mismísimo Derridá se sacudió ante las dudas de un traductor Japonés y se concentró en explicar la Deconstrucción a partir de lo que no es para poder resistir una traducción.
“La grasa de la lipo, está en mi cola”, dice Pablo Ruiz. Repito.
“Yo quiero ser el Brancatelli de Macri, dice Matías Alé. Repito.
¿puede un discurso ser repetido como una mera transmisión sin que su contenido se incorpore al discurso propio?
Parafernalia visual, políticos y famosos a la par, sin solución de continuidad. Exhibición sin pudor. Recortes de alguna realidad, que se vuelven a recortar y se transmiten.
¿Cómo hacer para que el gran set de utilería tiemble y se ponga en evidencia?
¿Una traducción es posible?
El mismísimo Derridá se sacudió ante las dudas de un traductor Japonés y se concentró en explicar la Deconstrucción a partir de lo que no es para poder resistir una traducción.
Enciendo la tele, ajusto mi prótesis, es mi horario de la mañana.
Digo transmitiendo y el software escribe: T R A N S M I N T I E N D O
Digo transmitiendo y el software escribe: T R A N S M I N T I E N D O
Entrañable / Una linea de mil seiscientos pasos - Teresa Puppo
Julio 2016
“Entrañable” propone abrir un campo reflexivo sobre las tensiones existentes entre la gran Historia y las historias individuales, a través de distintas prácticas, acciones, señalamientos y re contextualizaciones como ejercicios de des ocultamiento. Es una obra en proceso que plantea develar zonas oscuras de la matriz familiar e invita a reinterpretar el pasado que nos constituye para buscar alternativas que contribuyan a abordar la conflictividad del presente.
Teresa Puppo en esta ocasión presenta en La Oficina Proyectista el registro de una caminata, en la que deconstruye un cuento apócrifo que narra el origen de su historia familiar. La artista une con fragmentos de ese relato dos puntos de la ciudad, la casa familiar y el monumento a Julio Argentino Roca. En este acto enfrenta e interpela el monumento erigido para el acto de recordar y a la vez negar la verdadera historia.
Curaduría Colaborativa: Gabriela Larrañaga
“Entrañable” propone abrir un campo reflexivo sobre las tensiones existentes entre la gran Historia y las historias individuales, a través de distintas prácticas, acciones, señalamientos y re contextualizaciones como ejercicios de des ocultamiento. Es una obra en proceso que plantea develar zonas oscuras de la matriz familiar e invita a reinterpretar el pasado que nos constituye para buscar alternativas que contribuyan a abordar la conflictividad del presente.
Teresa Puppo en esta ocasión presenta en La Oficina Proyectista el registro de una caminata, en la que deconstruye un cuento apócrifo que narra el origen de su historia familiar. La artista une con fragmentos de ese relato dos puntos de la ciudad, la casa familiar y el monumento a Julio Argentino Roca. En este acto enfrenta e interpela el monumento erigido para el acto de recordar y a la vez negar la verdadera historia.
lunes, 30 de mayo de 2016
1992-1999 - Luciano Liberati
Inauguración Jueves 2 de junio de 2016
Cuando era chico con mi papá teníamos una actividad los domingos: Al mediodía veíamos las carreras de Fórmula Uno que transmitía en diferido el canal TeLeFe. Después de cada carrera (y de almorzar) nos poníamos a dibujar: Las pistas, los coches y los acontecimientos que nos acordábamos de la tele. Me acuerdo que a mí lo que más me gustaba era usar un molde con la forma de un auto que él me había hecho usando el cartón de una caja de zapatos. Yo dibujaba ese contorno en una hoja y después me ponía a pintarlo siguiendo los diseños de los autos que habíamos visto.
Ese es el único recuerdo que tengo con él. Hoy, al hacer estas obras, intento reconstruir aquellos años compartidos con mi padre y así cerrar un círculo en mi historia familiar.
Ese es el único recuerdo que tengo con él. Hoy, al hacer estas obras, intento reconstruir aquellos años compartidos con mi padre y así cerrar un círculo en mi historia familiar.
Luciano Liberati
domingo, 1 de mayo de 2016
Nostro Dolce Mare - Paulina Miguel
Abril 2016
Nos encontramos siempre en los bordes del
dulce mar: un estupor de paisaje, una fosforescencia pictórica hecha
pensamiento. Porque el destierro es mucho más grande que el momento de vivirlo:
ser feliz, también.
Dr. Claudio
Ongaro Haelterman
Curador
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